VASKJALA INTEKAD ⟩ Kolm kunstnikku. Kolm protsessi. Kolm vaatenurka

Pühapäeval, 1. mail 2022 kella 13:30–16:30 toimub Vaskjala Loomeresidentuuris taas avatud uste päev ning selle sisuks on noorte ja üliägedate külaliskunstnike Laura De Jaegeri, Vita Jončići, Mariam Saknelashvili kunstiesitlused.

Laura De Jaeger (1995) on Belgia kunstnik, kes elab Tallinnas. Tema kunstipraktika keerleb vahepealsuse mõiste ümber, kogudes, vormides, mõõtudega mängides ning ümber sõnastades kohalikke ajalugusid ja igapäevaseid tavasid. Ta kirjeldab seda kui eksperimentaalse, autobiograafilise ja materiaalse kirjutamise vormi. Ta omandas bakalaureusekraadi ja magistrikraadi kaunite kunstide alal Belgias LUCA kunstikoolis (vahetusega Eesti Kunstiakadeemias) ja magistrikraadi kultuuriuuringutes Belgias Leuveni linnas asuvas katolikus teadusülikoolis. Vaskjala Loomeresidentuuris viibimise ajal soovib ta töötada väliruumiga ning katsetada fotograafia ja ilukirjandusega.

Kunstniku koduleht: https://lauradejaeger.com
 

Foto: Janno Bergmann

Kas sa oled varem Eestis käinud?

Olen algselt Belgiast, kuid alates augustist elan Tallinnas. Bakalaureuseõpingute ajal tegin Erasmuse vahetust EKAs installatsiooni- ja skulptuuriosakonnas. Mulle väga meeldib olla Tallinna kunstimaastikul. See on üsna vaba ja kuidagi veidi anarhistlik, palju institutsionaalset kriitikat.

Ütlesid, et siinne kunstiskeene on anarhistlikum. Kuidas see Belgias on?

Töötasin ja elasin peamiselt Brüsselis ja see on suur linn ja meil on üsna keerulised kogukondade struktuurid ja kultuur on kuidagi kummaliselt korraldatud. Tundsin, et mulle on palju ja ilmselt toimub palju asju, aga päris raske oli oma mullist välja tulla ja linnast ülevaadet saada. Samas arvan, et meil on suur kunstiturg, mis paneb inimesi kunstist klassikalisemalt mõtlema. Paljud kunstigaleriid valivad esindama vanema põlvkonna kunstnikke. Nad töötavad väga objektipõhiselt. Asjadega, mida saab müüa.

Mida sa siin Vaskjalas tegema hakkad?

Alguses võtsin veidi aega, et lihtsalt ringi jalutada. Olin siin paar korda külastamas käinud ja väliruum meeldis mulle väga. Algselt arvasin, et olen palju siseruumides töötanud, olen palju töötanud väikeste objektide või väikeste sekkumisnihetega ruumides, kuid ma pole kunagi töötanud välimaterjalidega. Plaanisin jalutuskäiku läbi aia. Kuidas on aed üles ehitatud? Kuidas see on korraldatud? Kuid kogu seal käimise ajal mõtlesin, mis siin toimub. Ma mõtlen, et see on linnaga võrreldes üsna rahulik. Nägin kuskil kilekotti, nägin, et mingid asjad on katki, loodus segab, inimesed tulevad sinna. Olen tahtnud töötada betooniga ja mingil hetkel mõtlesin laudadele, kuid tahtsin luua mingi väljamõeldud loo, omamoodi potentsiaali millegi jaoks, mis on aias mitmel pool juhtunud. Tahan teha lauaplaate nii, et laua ülaosa, mis on kuidagi ümberlükatud, lamab selili. Põhimõtteliselt saavad sellest erinevad betoonplaadid, millel on jäljed, kus jalad peaksid asuma, mis loovad sellise loo nagu «mis siin juhtus, miks keegi lauda vahetas» ja siis tahaksin, et sellega koos oleks video, võib-olla sees, mis näitaks naabruses filmitud maastikut ja laudu, mis liiguvad aeglaselt. Nii et töötada ilukirjandusega, töötada väliruumiga.

Kas ütleksid, et sinu töö põhiteemaks on ruum?

Jah, kindlasti. Arvan ka, et igapäevases on midagi. Nagu igapäevased esemed, mis on ka ruumi asustavad. Mulle meeldib ka väga kohtade ajalugu. Näiteks ükskord Kopli Liinidel mõõtsin maju. Nägin, et teatud maju kavatsetakse lammutada ja need tehakse ümber või taastatakse uuselamurajooniks. Ma mõõtsin õmblusniidiga maja väljastpoolt ja ühe toa seest, et seda alles hoida. Rullisin selle uuesti üles ja see oli eksponeeritud kui lihtsalt õmblusniidirull, mis oli valmistatud ehitusobjektil olevast mullast. See on rohkem nagu ruumi uuesti leiutamine. Mõõdud on kokku rullitud, nii et neid saab igal viisil lahti rullida. Ruum muutus paindlikuks, kuid säilitas siiski selle, mis kunagi oli. Sa võid ikka näha seda minevikku, aga sa võid näha ka tulevikku. Nii et jah, ajalugu, ruum, igapäevane objektide kasutamine. Ma arvan, et need on peamised teemad.

Kuidas sinu protsess välja näeb?

Alustan ringivaatamisest ja naabruskonnas ringi jalutamisest. Püüan vaadata ja uuesti vaadata ja siis sageli uurin mõnda ruumi, mõtlen, kus see asub, mis on ajalugu. Siis hakkan võtma asju, mida ma leian, asju, mis tunduvad huvitavad, asju, mille leian kontekstist väljastpoolt, millega ma suudan konteksti ette kujutada. Ja siis kas hakkan nendega ruumis mängima või hakkan tegelema põhimaterjalidega nagu krohv, vaha, meisterdama neist vorme. Arvan, et teen sageli objektidest koopiaid, kuid lasen neil protsessi käigus muutuda. Nii et ma teen vorme ja ma ebaõnnestun ja need lähevad katki. Üritan neid uute materjalidega kokku panna ja kuidagi hakkavad sealt asjad välja tulema. Toimuvad nihked. Ma luban vigadel esemeid uuesti leiutada. Ma peale selle mängin ka palju sõnadega. Otsin sõnade etümoloogiat. Mõtlen, mida need sõnad tekitada võivad, ja lõpuks võtan palju asju välja. Lõpuks on mul midagi üsna kainet või puhast. Püüan jõuda millegi olemuseni. See on palju tõlkimist ja objektist kaugemal sammude astumist, et lõpuks jõuda tagasi algse asja juurde. Ma arvan, et lõpuks olen natuke puhtusefriik ja lõpuks on mul palju korralikke ja väikeseid asju. Mõnikord ütlevad isegi kriitikud: «Te ei saa midagi nii väikest eksponeerida.» Kuid see avab ruumi ja see on siiani õnnestunud.

Mainid kriitikuid, kes sellist kriitikat omistavad. Kuidas sellega hakkama saad? Kuidas end kunstimaailmas navigeerid?

Ma kirjutan palju. Ja ma püüan palju suhelda. Arvan, et olen suutnud oma töö erinevaid vaatenurki päris hästi väljendada selle üle dialoogi minnes, sellele mõeldes. Sellest, mida materjal võib tähendada, mida materjal võib esile kutsuda, kuidas tegevust saab visualiseerida ja ma püüan protsessist avameelselt rääkida, miks ma mida tegin. Kirjutan palju ka enda jaoks. Iga teine-kolmas päev sellest, mida ma seni teinud olen, mis oli mu esialgne idee, kuidas ma seda sellega seostan. Enda jaoks kirjutamine on oluline selleks, et end institutsioonidele, kriitikutele, kuraatoritele või teistele kunstnikele väljendada. Mulle meeldib kunstnikega töötada. Mulle meeldivad kuraatorid, kes on samuti ka kunstnikud. Arvan, et kunstimaailm sulandub natuke multidistsiplinaarsete inimestega, ja ma arvan, et see meeldib mulle kõige rohkem. Ja ma olen ka väga huvitatud sellest, kuidas nad tõlgivad asju ja tõlgendavad objekte, mida ma alguses võib-olla tõlgendasin hoopis teistmoodi.

Rääkides tõlgendamisest, kui oluline on see sinu jaoks loomisel, kuidas vaataja seda tajuda võiks?

Mulle meeldib sellega mängida, sest üldiselt arvan, et töötan sageli nii, et ma kogun asju kokku ja panen need paika ning vaatan neid aastate jooksul uuesti või mõnikord on mõni projekt, mille jaoks on mul esmaseid kavatsusi, mida ma ei taha inimestele peale suruda, sest ma arvan, et olen lihtsalt õnnelik, kuidas materjal, objektid ja konstellatsioonid võivad inimestes uusi mõtteid esile kutsuda. Ma arvan, et ma üritan järjest rohkem teksti välja lõigata või kogu oma tekstis kirjeldatud protsessi välja lõigata. Ja katsetada näituseteksti retseptina kirjutamist või pealkirjaks koha koordinaatide kirjutamist ja see on kõik, mis ma millegi jaoks annan. Mulle meeldib see potentsiaal.

Mis puutub kaasaegsetesse probleemidesse – kas leiad, et tegeled nendega oma töös?

Kui ma kunstiga alustasin, mõtlesin tõesti, et «kunstnikud peaksid milleski sõna sekka ütlema, me kõik peaksime tegema kunsti, mis on ühiskonnaga seotud», kuid nüüd arvan, et näen ennast natuke teistsugusena. Ma arvan, et see, et need lauad võiksid ringi liikuda, näitab ilmselt meie suhteid objektidega, nagu me oleme subjekt ja see on objekt. Miski teenib meid. Samuti võiks see teatud viisil rääkida klassist. Ma kasutan sind, sest sa oled minu jaoks funktsionaalne. Ma arvan, et ruumist mõtlemine on juurdunud ka sotsiaalsetes probleemides. Kuidas me ruumi asustame? Kuidas me neile objektidele läheneme? Ma arvan, et see on millegipärast sinna juurdunud, aga ma ei tahaks öelda, et ma tõesti tegelen sotsiaalsete probleemidega, sest ma tunnen ka, et see pole minu roll ja kui tahan olla efektiivne ja töötada sotsiaalsete probleemidega, peaksin olema mõnes teises valdkonnas. Mõnikord tunnen, et mõned kunstnikud võtavad selle ühiskondliku aktivisti rolli omaks ja panevad seejärel oma kunstiteostesse sõnumeid. Mulle meeldivad need kunstiteosed, mis on justkui häirivad, milles on ka minul sõnaõigus, mida saan erinevalt tõlgendada ja sotsiaalsete probleemidega tegelemisel on ka teatud väärtused, mis on just õiged ja mille poole peaksime püüdlema. Ma arvan, et see on keerulisem kunstivaldkonnas, kus on tegemist kujutlusvõimega ja pigem küsimuse püstitamisega. Selles mõttes võib-olla toimiksid sotsiaalsed asjad lihtsalt küsimuse püstitamisega, kuid mõnikord tunnen, et kui see on loosung, võib see töö minu jaoks natuke tappa.

Arvad, et on oht, et see muutub nii sõnumi kui ka kunsti suhtes ebasiiraks.

Jah, see ei saa teenida mõlemat. Kuid ma arvan, et peaksime lubama neil asjadel sisse hiilida, sest nad hiilivad sisse pidevalt. Hea, et kunstnikud on ka päris maailmas ja räägivad neist asjadest. Mõnikord kasutatakse koloniaalajast pärit materjale. Võib-olla sobimatu, kuid siis seab neid kasutav kunstnik selle nende kasutamisega kahtluse alla, kuid mõnikord vaikitakse asjad maha, sest neid ei tohiks kasutada, kuna see on praeguste sotsiaalsete väärtustega vastuolus. Aga kunstnikel peaks ikka olema vabadus seda ärgitada.

Kas sinu arvates on midagi, mida saab kunstis keelata?

Kunstisüsteemis jah, sest me oleme ikkagi inimesed, kes töötavad üksteisega ja kunstisüsteemis on väga oluline näha, et see on osa ühiskonnast, aga ma arvan, et seda on raske öelda. On asju, mis mind häirivad ja mille puhul ma isiklikult tunnen, et need lähevad minu jaoks liiga kaugele, asjad, mis tekitavad minus isiklikult ebamugavust. Kuid ma arvan, et ma näen neid endiselt kui kunstiteoseid, nad on selles valdkonnas, kus me koos mõtleme, ja nad ei ole suletud. Isegi asjadel, mis mulle ei meeldi ja mis mind häirivad, peaks olema võimalus eksisteerida. Kui suudame kõike addresseerida, siis tunnen, et kõik on võrdsed ja suudame probleeme tunnistada, nendega tegeleda ning ka toime tulla.

Vita Jončić sündis 1995. aastal Zagrebis. Ta on lõpetanud Zagrebi kaunite kunstide akadeemia maalikunsti bakalaureusekraadiga (2017) ja magistrikraadi filminduses Londoni kunstiülikooli kommunikatsioonikolledžis (2018). Tema meediumiteks on film, fotograafia, maal, video ja ruumiinstallatsioon. Viimastes töödes on tema peamisteks teemadeks nii inimese looduses viibimisest tulenevad tagajärjed kui ka indiviidi rollid ja mõjud ühiskonna struktuuri ülesehitamisel. Aprillis Vaskjala Loomeresidentuuris lõi ta installatsiooni «Meil on alati tuld», mis käsitleb nelja elu toetava elemendi ökoloogilist seisundit.

Foto: Janno Bergmann

Mis on sinu kunsti põhiteema?

Viimasel ajal olen teinud videoinstallatsioone koos ruumiinstallatsioonidega. See tähendab, et kombineerin mitme kanaliga projektsioone leitud objektidega.

Kas saaksid veidi oma protsessi kirjeldada?

Noh, see kõik tuleb minu jaoks väga intuitiivselt. Mul on idee ja siis ma püüan selle välja töötada lihtsalt mõeldes, kuhu ma võiksin sellega minna ja milliseid materjale ma kasutada tahaksin. Proovin võimalusel kombineerida analoogfotograafiat, et teha kollaaže, mida siis Premiere'is monteerin ja teen omamoodi eksperimentaalfilmi, mis põhineb peamiselt tekstuuridel. Pärast seda proovin näha, millist materjali või objekti saaksin sellega kombineerida, et need tekstuurid üksteist täiendaks.

Kust ammutad inspiratsiooni?

See ei ole väga lineaarne protsess. See tuleb kõigist ootamatutest kohtadest. Alati on üks asi, mida ma näen, või üks idee, mille peale ma mõtlen, millest saab projekti seeme. Siis lasen lihtsalt meelel oma asja teha, selle ümber kasvada. Leian inspiratsiooni kõikjalt enda ümbrusest ja enda seest. See on selline alateadlik protsess, kus kõik on kombineeritud ja segatud ning sellest sünnib midagi.

Kas materjalid, mida kasutad on tavaliselt looduslikud?

See ei pea olema midagi looduses leiduvat. Oma viimases projektis kasutasin päris kive, mis sealt paigast leidsin, aga ühes teises projektis kasutasin kalavõrku. Reegleid pole.

Mainisid ka, et kasutad analoogfotograafiat. Kuidas tuli mõte seda videoprojektsioonidega integreerida?

Mulle meeldib see analoogfotograafia kombinatsioon. Analoogfotode tekstuure on peaaegu tunda, sest need on rohkem sõmerad kui digitaalsed. Mulle meeldib see sõmerus, mida see projektsioonile toob, sest kui ma peaksin kasutama kõike digitaalset, oleks see kõik sile. Viimastes projektides on meeldinud mulle seda sorti sõmeruse tunnet projektsiooni endasse tuua. See on erinevate polaarsuste kombinatsioon. Analoogi puhul peab hoolt kandma selle eest, et film oleks kaasas, et nende eest korralikult hoolt kanda nii, et need ei satuks vahetamisel valguse kätte, ja need väikesed tehnilised detailid, millele ei pea mõtlema digifotograafiaga, paneb jäädvustatud fotot rohkem hindama. Kuid selles ongi lõbu. See muutub isiklikumaks, kuna hoolitsed selle eest rohkem. Näiteks kui minna kuhugi ilma varufilmita, peab tõesti mõtlema, mida peaks pildistama. Digitaalsega on lihtne, pildistada saad kõike, mis on ka omal moel ilus, aga analoogiaga peab rohkem mõtlema, rohkem arvestama.

Kas sulle tundub, et see on ka mõnes mõttes autentsem?

See on 50-50. Looduse ja valguse osakaal annab 50 protsenti ja kaamera annab 50 protsenti, samas kui digitaalses saab juhtida kõike, näiteks valgust ja seadeid. Sina ja kaamera olete domineerivad. Analoogiga on see nagu need kaks maailma: kontroll ja tehnoloogia ja loodus ja kõik see, mis on taltsutamatu, nad mõlemad osalevad fotol.

Huvitav, et mainid ideed kontrollist. Kui palju tunned end oma protsessi kontrollivana?

Noh, ma tunnen, et see sõltub sellest, kui palju ma ise valin, sest mõned projektid võivad olla tõesti ainult tehnilised ja tuleb lihtsalt läbi mõelda ning otsustada. Teiste projektide puhul otsustan: «Olgu, ma lasen endal vabalt minna ja töötan sellega, mis mulle pähe tuleb.» Nii et ma ütleks, et see on otsus.

Mis on sinu taust? Kuidas kunstini jõudsid?

Kui ma olin laps, siis ma joonistasin vahetpidamata. Klassis on kõigil oma identiteet ja mina olin alati see laps, kes joonistab. Kõik tulid minu juurde: «palun, kas saad meid joonistada», nii et oli loomulik selles suunas liikuda. Seejärel kandideerisin Zagrebi kaunite kunstide akadeemia maaliosakonda, kus uurisin erinevaid loovuse suundi ja pärast seda lõpetasin Londoni kommunikatsioonikolledžis filmi magistri. Selle hariduse kaudu õppisin erinevate meediumite kombineerimise ilu. Keskkoolis lõpetasin tegelikult tarbekunstikooli tekstiilidisainerina. Võib-olla siit tulebki minu huvi füüsiliste materjalide vastu. Mulle meeldib kõike kombineerida.

Millega on plaanis tegeleda siin Vaskjalas?

See saab samuti olema kombinatsioon loodusest pärit toorainest ja videoprojektsioonist ning ma katsetan objektiga, millele projektsioon projitseeritakse, nii et see ei pea olema sein või lõuend, vaid midagi täiesti erinevat ja see on jällegi loodus. Videoprojektsioonid on tõesti suurepärane uus meedia, sest see on värske ja sellega on palju katsetamist ja palju asju, mida keegi pole veel teinud, nii et see on midagi, mis mind erutab. Et midagi tõepoolest uurida.

Mariam Saknelashvili sündis 2002. aastal Gruusias Thbilisis. Ta õpib Thbilisi riiklikus ülikoolis prantsuse filoloogia teaduskonnas. Mariam on kunstide vastu huvi tundnud juba eelkoolieast ning sellest ajast peale on ta katsetanud erinevate meediumidega, näiteks maalinud erinevate tehnikatega, pildistanud analoogfilmiga, teinud animatsioone ja teinud ka oma animatsioonidele heli.

Tema esimene osalemine grupinäitusel oli aastal 2020. Oma kunstis püüab ta tabada igapäevaelu maagiat ja on inspireeritud maagilisest realismist. Tema töödes juhtub sageli midagi väikest, kuid ebatavalist, kuid see on alati osa suurest pildist. Teda paeluvad kohad, loomad, tegelased ja inimeste näod. Ta ütleb ka, et teda paelub idee jutuvestmisest ainult tegelase näo kaudu ja üldiselt on jutuvestmine tema peamine tööriist kunstis.

Vaskjala Loomeresidentuutis katsetab Mariam linoollõigete abil animatsiooni tegemist ning kavatseb rajada mälestusmärgi hiirele ja linnule, kes tema residentuuri ajal Vaskjalas surid ja on õue maetud.

Foto: Janno Bergmann

Mis on sinu suund kunstis?

Ma maalin peamiselt akvarelli ja õliga ning veidi akrüüliga vee peal.

Milliste teemadega sa tegeled?

Seda on kirjeldatud kui lõiku elust, maagiline realism. Minu varasemad tööd olid tugevalt inspireeritud keskajast, nagu fantaasia valitseja elu ja külalood.

Millised ideed sul praegu mõttes, millega Vaskjalas tegutseda?

Ma mõtlen, et teen linooltrüki animatsiooni ja tahan teha ühe akvarellmaali. Samuti leidsime oma toast surnud hiire ja matsime ta maha ja mina leidsin surnud linnu, nii et tahan ta hiire kõrvale matta ja neile hauakivid teha. Me just arutasime, kuidas seda teha. Parim viis selle tegemiseks oleks teha kivist, aga mul pole kivi nikerdamise kogemust ja samuti pole meil tööriistu, nii et see võib olla raskem, aga ma arvan, et proovin. Teine ​​variant on puidust, aga ma proovin enne teha kivist.

Kas leiad keskkonnast inspiratsiooni?

Jah, keskkond inspireerib mind alati väga. Iga kord, kui ma kuhugi lähen, kajastub see alati ka minu töös, nagu suvepuhkused ja reisid. Kõik jääb minuga ja kajastub minu töös, nii et ma arvan, et see koht jääb ka.

Kas saaksid kirjeldada natuke oma protsessi – kuidas leiad ideid, kuidas seda oma maalimisel rakendad?

Ma arvan, et see, kuidas mu aju töötab, on nagu sellised väikesed inspiratsiooniallikad. Ma näen midagi siin, midagi seal, loen seal mõned sõnad ja mu aju tuvastab need väikesed tükid ja ütleb: «oh, see on hea värk, pea meeles» ja salvestab selle mu ajju. Mingid asjad kleepuvad kokku, et tekiks idee, mis siis pähe tuleb, ja siis alustan peas tehnilist protsessi. Kuidas ma seda teeksin, mis tehnikat kasutaksin, milline peaks olema kompositsioon ja värvid ja siis, kui see on mu peas küpsenud, ei suuda ma seda enam sees hoida ja pean sellega tegelema.

Ütlesid enne, et varem leidsid inspiratsiooni keskajast.

Käsikirjad on tõesti huvitavad ja neid illustreerisid alati mungad ise. Need on nii huvitavad, sest need mungad istusid seal ja kirjutasid kogu aeg pühakirju ümber ja neil hakkas sellest igav ja nad tegid käsikirjade servadele väikseid joonistusi, nagu väikesed tüdinud näod või joonistasid iseennast või kirjutasid vihase kirja, et keegi sõi ära tema ploomid. See oli tõesti isiklik ja neil munkadel polnud elukogemust ega haridust, nii et kõik oli nii naiivne. Nagu nad joonistaksid kasse, kuid nad pole kunagi näinud kassi, nii et see on tõesti armas ja naljakas. Ja mulle meeldivad ka need joonistused, kus tüübil on mõõk peas, aga ta ikka naeratab.

Nii et leiad inspiratsiooni tolleaegsest argisest inimloomusest. Kuidas see sinu maalidel väljendus?

Nägudel. Need naeratavad näod ja silmad. Püüdsin alati joonistada suurimad silmad, mis suutsin näole mahtuda.

Suht anime moodi?

Jah. Anime on ka tõeline inspiratsioon, sest teismelisena leidsin animest tõesti midagi, nagu kodu või põgenemine. Need olid kõik nende teismeliste tüdrukute kohta, kes on kurvad, kuid õnnelikud ja maailmast üle koormatud, ja ma olin nagu «jah, see olen mina». Samuti toetan endiselt «Vaimudest viidud» teinud Miyazaki teoseid. Lapsena olin tema tööst vaimustuses ja teismelisena samuti. Vaatasin neid hiljuti uuesti ja need on nii tihedad ja neis on nii palju informatsiooni, nii palju inspiratsiooni. Samuti tema jutustamisviis. Tal ei ole neid kolme vaatuse lugusid, rohkem nagu seitsme vaatuse lood, kus juhtub midagi ja siis juhtub midagi muud ja juhtub veel midagi ja mulle väga meeldib selline jutustamisviis. Ma arvan, et seda on näha ka minu töös.

Ühendasid keskaegseid teemasid anime aspektidega. Kui palju see muutunud on?

See on tõesti palju muutunud. Kui ma seda keskaegset asja ajasin, vältisin moodsate asjade, näiteks moodsate rõivaste, kasutamist või ei kandnud nad kingi ja selliseid asju. Just hiljuti, nagu ka eelmisel aastal, hakkasin kasutama kaasaegseid asju. Hakkasin tegema autoportreesid, kus kannan oma moodsaid riideid ja veepudelid laual ja muud sellised asjad.

Ma alustasin väga aeglaselt ja nüüd hakkasin tegema sellist urban tales asja, kus ma uurin kauneid ja ilusaid kohti oma linnas ja pildistan neid ja pildistan teist kohta ja kombineerin neid omavahel ning kasutan neid oma kunstis ja lisan oma tegelased. Ma tõesti hakkasin neid praeguseid asju rohkem tegema kui mineviku asju.

Kasutad fotograafiat omamoodi loomise allikana.

Jah. See on väga lihtne, sest näed kohta, teed selle lihtsalt oma telefonis foto ja salvestad selle hilisemaks kasutamiseks ning siis lähed selle juurde tagasi ja ütled: «Jah, see puu näeks selle hoonega väga hea välja.»

Kuidas jõudsid selleni, et kasutada peamiselt akvarelli?

Olen viimastel aastatel kõike proovinud. Varasematel aastatel tegelesin isegi digitaalkunstiga, kui alustasin nende keskaegsete asjadega, ja siis läksin üle paberile ja pastapliiatsile. Siis tahtsin värve lisada ja hakkasin puidule akrüülmaale tegema. Peale seda hakkasin akvarellmaale tegema. Ma arvan, et see sobib minu tööga kõige paremini, sest saan sellega kihte ehitada ja mulle väga meeldib selle protsess. Samuti joonistan palju nägusid ja arvan, et akvarell on selleks parim vahend, sest akrüülvärv on näo jaoks liiga jäik ja karm, nii et neid kihte ei saa teha.

Kui palju sa oma loomingu vaatajaga arvestad?

Palju. Alati. Lugesin kirjutamise kohta. Üks kirjanik tegi kirjutamise meistriklassi ja ütles alati, et peate oma publikut alati austama. Ma tean, et paljudel inimestel on see, et «ma ei tee seda kellegi teise jaoks, ainult enda pärast» ja ma teen seda ka enda pärast, kuid ma pean ka silmas, et inimesed näevad seda. Mulle meeldib see osa. Samuti inimestega suhtlemine. Mind huvitab alati, mida nad mõtlevad ja tunnevad, kui nad seda näevad, ja see suhtlusosa on tore ja oluline osa minu tööst.

Kas tunned, et saadud tagasiside muudab sinu kunsti?

Ma arvan, et ei muuda. Ma kuulan iseennast. Võib-olla teeb ta seda alateadlikult natuke, aga mitte nii, et ma seda tunneksin.